牛小散圆点永不消逝：97岁草间弥生辞世

《澎湃新闻艺术评论》获悉，在全球有着巨大影响的日本当代艺术家因多重器官衰竭于8月14日在东京都内医院病逝，享年97岁。这位被世人称为“波点女王”的前卫艺术家，以其标志性的圆点、网目和南瓜装置享誉全球。

据日本相关艺术机构透露，遵照家属意愿，草间弥生的葬礼已以私人形式举行，仅限近亲参加。告别会将于日后举行。“虽然采访草间弥生是多年前的事情了，但得知她去世的消息，还是感到很震撼！”艺术学者、东京艺术大学客座教授潘力对澎湃新闻说。

草间弥生（1929-2026）

2014年，上海观众排队参观日本艺术家草间弥生“我的一个梦”亚洲巡展。澎湃新闻资料

圆点、无限网、镜屋、南瓜，以及鲜艳的红色假发，几乎已经成为她个人艺术的视觉符号。她既是日本战后前卫艺术的重要人物，也是少数真正突破艺术圈边界、成为全球文化符号的艺术家之一。

1929年3月22日，草间弥生出生于日本长野县松本市。直至去世前，她依然活跃在艺术世界中。其官方网站目前仍列有2026年9月11日至2027年1月17日在阿姆斯特丹市立博物馆举行的展览。

在上海，上海当代艺术馆（MoCA），复星艺术中心举办过其大展，每次大展举行，都引起排队狂潮。

但如果只从今天熟悉的“圆点女王”形象理解草间弥生，很容易忽略她漫长而曲折的艺术生涯。她经历过战后日本艺术环境的局限，也曾在纽约前卫艺术圈中一度走在时代前端；她尝试绘画、雕塑、装置、行为艺术、文学和时装，也曾长期被主流艺术史忽视。到了晚年，她的作品却以一种前所未有的方式进入大众文化，成为美术馆中最受欢迎、也最容易被社交媒体传播的艺术之一。

在她的艺术世界里，“无限”并不是一个抽象的哲学概念，而与她一生的身体经验、心理感受和创作实践紧密相连。圆点不断繁殖、覆盖和延伸，镜子将空间无限复制，观者的身体被卷入其中。草间弥生所做的，似乎始终是在有限的生命中寻找一种通向无限的方式。

童年的阴影与艺术的萌芽

草间弥生10岁起，便开始被神经性视听障碍所困扰，长期遭受大量幻觉的侵袭。在她的眼中，世界仿佛隔着一层斑点状的网，紫罗兰会向她说话，楼梯会在脚下消失。这些可怕的幻觉成为她艺术的滥觞——她开始将这些圆点画下来，用创作来对抗内心的恐惧。

草间的家庭环境同样充满压抑。她的母亲强烈反对她成为艺术家的梦想，常常虐待她的身心；父亲则沉溺女色，使家庭常年笼罩在苦涩的纷争之中。在这样的环境中，草间弥生早早便有了自杀的企图。她后来曾公开表示：“如果不是为了艺术，我应该很早就自杀了。”

草间弥生童年时

中学毕业后，草间进入京都市立工艺美术学校主修日本画。1955年，她冒昧地给美国女画家乔治亚·奥基芙写信，竟惊喜地收到了对方的友好回信。这封信成为改变她命运的关键契机。

草间弥生作品

1957年，草间弥生离开日本，移居美国纽约。初到纽约的日子是“人间地狱”——她一贫如洗，精神病不时发作，有时数日不食，将所有钱都花在购买艺术用品上。但她在自传中写道：“革新艺术的使命令我的热血在脉管中涌动，使我忘记饥饿。”

在纽约，草间迅速崭露头角。她开始发表巨大的平面作品、软雕塑，以及结合镜子和灯具的环境雕塑作品。1962年，她在纽约绿艺廊参加七人联展，同展的包括安迪·沃霍尔和克勒斯·欧登柏格。她的创作被评论家归入女权主义、极简主义、超现实主义、普普艺术等多个流派，但她始终认为自己仅是一位“精神病艺术家”。

1960年代，草间的创作进入了一个激进阶段。她开始举办人体彩绘、组织裸体偶发行为艺术，并积极参与反战运动。这些在当时惊世骇俗的行为，在她的家乡日本却被贴上了“国耻”的标签。保守的日本舆论界嘲笑她是个“不要脸的女人”，甚至叫嚣着要把她赶出去。

1966年，草间作为首位单独代表日本的女性艺术家，受邀参加第33届威尼斯双年展。她的空间装置作品《无限的爱》使用小圆灯泡和大面镜反射，制造出极强的视觉迷幻效果。在展场户外，她以1500个金色镜球组成《那克索斯的花园》，本人穿着金色和服端坐其中，并立牌告示“一个金球价格2美元”——这一将艺术像超市商品一样销售的概念，在当时引起了巨大争议。

1973年，草间弥生返回日本定居。1977年，她自愿住进精神疗养所，此后常年往返于疗养所与工作室之间。然而，这并未阻挡她的创作热情。她每天坚持绘画，以红黄对比色背景上的圆点图案日复一日地构筑着自己的艺术世界。

回归日本后的草间，艺术创作更加多元。除了绘画和雕塑，她还积极投入文学创作，出版了包括自传在内的十几本书籍。1983年，她的小说《克里斯多夫男娼窟》荣获第10届野性时代新人文文学奖。

1993年，草间再次代表日本参加第45届威尼斯双年展。此时距离她1966年首次参展已过去近三十年，世界对她的认知已发生了根本性的转变——她不再是那个被日本视为“国耻”的叛逆者，而是被视为日本现存最伟大的艺术家。

进入21世纪，草间弥生的国际声誉达到顶峰。她先后荣获美国颁发的终身成就奖、法国文化部的艺术及文学骑士勋章。2009年获选日本文化功劳者，2016年获颁日本文化勋章。英国《泰晤士报》将其评选为“20世纪200名最伟大的艺术家”之一。2017年，东京草间弥生美术馆开馆。2025年，96岁高龄的她更以11.1亿元人民币的总成交额登顶胡润全球艺术榜榜首，成为首位获此殊荣的女性艺术家。

草间弥生作品

光环与阴影：改变当代艺术版图的“波点女王”

草间弥生对当代艺术的贡献是多维度的。她创造了一种极具辨识度的视觉语言——高彩度对比的圆点花纹、无限重复的网目图案。这种风格超越了绘画本身，渗透到雕塑、装置、行为艺术、时尚乃至日常生活用品之中。她的“南瓜”系列和“无限镜屋”系列已成为当代艺术的经典符号。

草间弥生打破了艺术与商业、高雅与流行之间的藩篱。她与服装设计界合作推出圆点风格的服饰，销售创意家具、玩具等生活类商品。这种将艺术IP化的商业实践，深刻影响了后来的当代艺术家。有分析指出，草间弥生的作品定价已不再局限于传统的艺术价值评估，而是包含了“体验成本溢价”“跨界资源附加值”“知识产权长期价值”等全新维度。

作为一位亚洲女性艺术家，草间弥生在男性主导的西方艺术世界中开辟了自己的道路。她是第一位单独代表日本参加威尼斯双年展的女性艺术家。她和小野洋子一起，完全颠覆了日本传统女性的定义。尽管在纽约期间因女性与亚裔身份而屡受打压，她依然凭借惊人的创作力赢得了国际认可。

然而，草间弥生的艺术人生并非只有光环。她所面临的争议同样深刻而复杂。

种族歧视言论是近年来最受关注的争议点。在2002年出版的自传《无限的网》日文版中，草间弥生将黑人描述为“原始、高度性化的生物”，并将自己在纽约居住的地方描述为“贫民窟”，称“门外有黑人互相开枪、无家者就睡在那里”。这些内容在2011年英译版自传中被删除。她的1971年剧本和1984年小说《克里斯多夫男娼窟》同样包含引发非裔族群不满的描述。面对批评，草间弥生后来在《旧金山纪事报》发表声明，为这些言论致歉。

艺术价值的争议同样从未停歇。批评者认为她的作品缺乏深度，不过是“一直疯狂画圆点”。密集的圆点图案让不少观者产生心理不适，被形容为“密集恐惧症患者的地狱”。有人认为她的成功更多归功于商业运作和社交媒体效应，而非艺术本身的深刻性。

有人认为她的成功更多归功于商业运作和社交媒体效应

性别议题的过度阐释也引发了争议。自20世纪末以来，从女性主义角度解读草间弥生的作品成为学术主流。然而草间弥生本人曾表示，她困扰于一些批评家对其作品基于性别的阐释。这不禁让人反思，女性主义视角是否存在过度阐释的嫌疑。

抄袭指控同样笼罩着她的艺术生涯。草间弥生曾在自传中指责克拉斯·欧登伯格抄袭她的软雕塑，指责安迪·沃霍尔将同样的照片贴满画廊墙壁和天花板是窃取她的技艺。这些指控的真伪至今仍有争议，但无疑为她的艺术叙事增添了复杂的注脚。三、圆点东渐：草间弥生与中国的关系与影响3.1展览之路：从北京798到上海当代艺术馆

草间弥生与中国的关系可以追溯至新世纪初。2007年，她的作品在北京798艺术区参展“美丽新世界：当代日本视觉文化展”。当时78岁高龄的草间因身体状况未能亲临现场，但她的作品成为全场最抢眼的亮点。同年，她还在上海参加春季沙龙，并于香港、广州等地举办展览。

真正具有里程碑意义的是2013年。当年12月，草间弥生在中国的首次大型个展《草间弥生——我的一个梦》在上海当代艺术馆开幕。展览展出了她各个时期创作的100多件作品，涵盖影像、绘画、丝网印刷、巨型南瓜雕塑等，基本呈现了她六十年的艺术脉络。这场展览创造了惊人的现象级纪录——30万人次入场、近1500万元门票收益。展馆内外人潮涌动，慕名而来的观众中不乏特意从外地赶来的拥趸。这是上海当代艺术馆开馆8年来最受欢迎的展览，最多的一天有近6000人入馆。